Небесная печать. Окончание. Начало 31 окт. 2017, 14 апр. 2018

«Бойтесь кисти живописца — его портрет может оказаться более живым, чем оригинал».
Корнелий Агриппа Неттесгеймский (настоящее имя Ге́нрих Корне́лиус Неттесгеймский (Heinrich Cornelius von Nettesheim; 14 сентября 1486, Кёльн, Священная Римская Империя — 18 февраля 1535, Гренобль, Франция) — немецкий гуманист, врач, алхимик, натурфилософ, оккультист, астролог и адвокат.)

«Они думают, что я схватываю только черты их лиц, но я без их ведома спускаюсь в глубину их души и овладеваю ею целиком».
Морис Кантен де Латур (фр. Maurice Quentin de La Tour; 1704—1788) —французский портретист.

 

Со времени исследования ими «психиатрических» злоключений прошли полгода («Небесная печать». Продолжение). Но Кола и Ласочка не замечали быстротечного потока времени и потому, что стремителен надо всем летящий, всё и вся преодолевающий и потому и не ощущаемый его стипль-чез, но и оттого, что были теперь полностью поглощены новой проблемой. Она была интересна сама по себе, не имела никакого отношения к преступным злоупотреблениям власти, и в полной мере отвечала их операции прикрытия. Одним словом, это было важно для их Разведывательной службы, и безумно интересно им самим.

А началось все чудесным утром, когда после завтрака, Кола широко улыбнулся и перешел на «in petto <Про себя (итал.)>»:

— Ла-соч-кааа, я не сказал тебе поутру, чтобы не портить аппетит. Ночью меня срочно вызвали Наверх и руководитель Научно-Технического Департамента добрых два часа вводил меня, а значит и тебя, в новую проблему. На первый взгляд, она не слишком глобальна, но принципиально относится к реестру главного научного направления всей нашей Службы. — Защищать Божественную Душу, везде, всегда и при любых обстоятельствах. Идет ли речь об угрозах миллионам Душ или одной единственной. Было принято во внимание и то обстоятельство, сколько сил вложили и Департамент, и мы в подготовку нашего прикрытия. И знаешь, какой фразой был завершен этот инструктаж? — Словами Кола Брюньона: «Вот лучшая из моих работ: души, изваянные мною. Их у меня не отнимут. Сожгите все дотла! Душа цела!».

Речь идет о портретах. Вот как определяется этот вид живописи в Википедии:

«Портре́т (фр. portrait, от старофранц. portraire — «воспроизводить что-либо черта в черту», устар. парсуна — от лат. persona — «личность; особа») — изображение или описание какого-либо человека либо группы людей, существующих или существовавших в реальной действительности, в том числе художественными средствами (живописи, графики, гравюры, сакульптуры, фотографии, полиграфии, видео), а также в литературе и криминалистике (словесный портрет). В изобразительном искусстве портрет — это самостоятельный жанр, целью которого является отображение визуальных характеристик модели. «На портрете изображается внешний облик (а через него и внутренний мир) конкретного, реального, существовавшего в прошлом или существующего в настоящем человека».

Википедия детально расшифровывает эту формулировку:

«Портретная живопись имеет разнообразные функции. Многие из них были связаны с магией: похожее изображение человека являлось заместителем данного человека…

Хорошо написанный портрет, как считается, должен показывать внутреннюю сущность модели с точки зрения художника — не только физические, но и духовные черты. Подобная необходимость была сформулирована ещё на заре сложения европейского портрета, когда в 1310 году Пьетро д’Абано сказал, что портрет должен отражать и внешний облик, и психологию модели.

Художник вживается в облик модели, благодаря чему постигает духовную сущность человеческой индивидуальности. Такое постижение происходит только в акте эмпатии (перевоплощения) в процессе слияния Я модели и Я автора. В результате возникает новое единство, подобное тому, которое возникает между актёром и его ролью. Благодаря такому слиянию модель на портрете выглядит как если бы она в действительности была живая, «портрет — плод духовного coitus’a оригинала с художником». (Coitus — (латинск.), совокупление, соитие, половое сношение, половой акт.)

«У малокультурных народов существует суеверное предубеждение против портрета, основанное на вере, будто живая душа человека переходит в нарисованное изображение; но на самом деле пленённой оказывается душа портретиста в ми’говом, минутном или часовом её переживании.»

Так выглядит категория ПОРТРЕТА в строгом академическом определении. А вот, с чем мы встречаемся на практике. На свете немало произведений искусства, влекущих за собой шлейф дурной славы, и пальма первенства в этом принадлежит картинам и, в частности, портретам. Картины убивают и вызывают помешательство. Наводят порчу, вызывают пожары и причиняют уйму других неудобств своим владельцам.

Специально для нас с тобой был подготовлен короткий обзор печати. Материал в нем подобран из различных сайтов [1-22], как теперь говорят, дайджест (Дайджест (от англ. digest — краткое изложение, резюме; от лат. digerere — разделять) — подборка выдержек из различных источников на определенную тематику. Википедия). Вот его первая половина, читай и постоянно имей в виду, что здесь есть место для Наших (!) интересов и Нашей (!) обеспокоенности. Именно так меня ориентировали в Разведывательной Службе Высших Тонких Божественных Миров!

«О связи человека и его портрета знали с давних времен. Мистические тайны картин основаны на представлении о сушествовании неразрывной связи изображения и оригинала. Сотни лет устойчиво суеверие, что написание портрета может принести несчастье модели. В народе существует множество историй и слухов о том, что натурщики великих художников заболевали или умирали. Считалось, также, что если что-то случится с портретом (разорвется или сгорит), то пострадает и человек: заболеет или погибнет. И действительно, многие модели знаменитых живописцев умирали во время, или после написания их портрета. Историкам известно немало достаточно достоверных случаев, когда изображенные на портретах люди умирали преждевременной или насильственной смертью. Поэтому, художники издавна сталкивались с нежеланием и опасением со стороны простых людей писать их портреты». Существует также разнообразная, но всегда пугающая терминология:

Портреты-убийцы.
Смертельная мистика портретов
Чудотворная и смертельная магия картин
Мистические тайны картин
Мистические силы картин
Портреты, меняющие судьбы
«Джоконда». Энергетический вампир
Картины, которые погубили своих натурщиков
«Даная». Высасывающая жизнь
Высасывающие жизнь
Картины гениев — энергетические «ловушки».
Проклятие девиц
Потревоженный дух картин
Черная энергетика картин Ильи Репина
Проклятая картина — Мунк Э. «Крик»
Роковые портреты
Картины, которые разоряют
Проклятые картины
Дурная репутация картины

Факты

Западно — европейские художники [1 — 22]

1.Леонардо да Винчи согласился написать для богатого флорентийского гражданина, мессира Франческо дель Джиокондо, портрет его жены Моны Лизы. Тогда ей было 24 года, она была безмерно красива… Леонардо работал над портретом четыре года, но не успел завершить. В маленьком глухом городке Лангонеро Мона Лиза Джиоконда, в итоге, умерла в возрасте 28 лет. Более того, с этой картиной связана целая цепочка смертей: сама натурщица умерла в возрасте 28 лет, затем ее муж, потом ее любовник, а вскоре сильно захворал и через несколько лет умер и сам художник Леонардо да Винчи. Предполагают, что за 4 года работы над картиной она выпила все его силы. Но и это не все. Некоторых впечатлительных людей полотно вводит в состояние гнева или лишает рассудка. Сотрудники Лувра заметили в XIX веке, когда Лувр открылся для публичного посещения, что обмороки у картины — нормальное явление.

Первым таким человеком из публики стал писатель Стендаль. Он неожиданно для себя остановился у «Джоконды» и некоторое время любовался ею. Кончилось плохо — знаменитый писатель тут же у картины упал в обморок. А всего на сегодняшний день зафиксировано уже более сотни подобных случаев.

Работники Лувра отмечают, что длительные перерывы в работе музея приводят к потускнению «Джоконды». Она темнеет, но стоит посетителям вновь заполнить залы музея, и Мона Лиза словно оживает, проявляются сочные краски, фон осветляется, улыбка видна более четко. Ситуация определяется коротко: Джоконда» — Энергетический вампир ( pixabay.com).

2. Рембрандт, один из величайших мастеров кисти. Ван Гог сказал о нем так: «Надо умереть несколько раз, дабы так рисовать». Пережил двух жен и всех детей. Саския знакомая нам всем по «Данае», «Флоре» и другим бессмертным картинам, умерла спустя 8 лет после свадьбы в возрасте 30 лет. История любви Рембрандта и Саскии — классический случай мистической связи между художником, картиной и моделью. Рембрандт много рисовал и собственных детей. Трое умерли во младенчестве. Четвертый — единственный выжившимй — Титус — дожил лишь до 27 лет. Вторая жена — Хендрике Стоффельдс. Излюбленная модель, запечатленная на многих картинах Рембрандта. Тоже быстро умерла. Все они были моделями для полотен художника. Кажется, картины буквально высасывали жизненные силы. Поэтому, не случайна строчка во многих работах: «Даная» (дочь древнегреческого царя Акрисия) — Высасывающая жизнь!».
3. Великому, испанскому художнику Гойе для полотен «Маха раздетая» и «Маха одетая» позировала герцогиня Альба, красивая и здоровая женщина, отбивавшая фаворитов даже у королевы. Это была безумная страсть стареющего художника и молодой вдовы. Гойя оставил много портретов герцогини. Во время позирования ее красота угасала, а через три года после знакомства с Гойей герцогиня скоропостижно скончалась. Интересная деталь. В условиях религиозно фанатичной Испании картина «Маха обнаженная» хранилась под картиной «Маха одетая» и открывалась с помощью специального механизма.
4. О французском скульпторе Огюсте Родене было сказано: «Не было и не будет мастера, способного вложить в глину, бронзу и мрамор порыв плоти более проникновенно и напряженно, чем это сделал Роден» (Э.А. Бурдель). Свою жену Роден никогда не рисовал, не лепил и прожил с ней долгую и счастливую жизнь. Зато свою любовницу Камиллу Кладель он запечатлел в композициях «Поцелуй» и «Вечная весна», после чего несчастная женщина сошла с ума и 20 лет провела в сумасшедшем доме, мучимая страшными припадками.
5. Диего Веласкес, придворный живописец короля Филиппа IV. На этой должности он пребывает до конца своих дней. Точная дата написания картины «Венера с зеркалом» неизвестна. Считается, что она была закончена около 1647—1651гг. Предположительно, Веласкес работал над картиной тайно и написал «Венеру с зеркалом» во время своего визита в Италию, так как инквизиция в Испании запрещала писать обнажённое женское тело. Художника могли обвинить в ереси и казнить. Также влиянием целомудренного испанского мировоззрения считается то, что Венера изображена, в отличие от итальянских «Венер», лежащей спиной к зрителю. «Венера с зеркалом» — единственное сохранившееся изображение обнажённого женского тела кисти Веласкеса. В конце XVIII века висело во дворце герцогини Альбы подле вдохновлённой ею «Махи обнажённой».

«Венера с зеркалом» Диего Веласкеса славится тем, что… разоряет своих хозяев в пух и прах! Первым ее владельцем стал купец из Мадрида. С появлением «Венеры» его бизнес постигли крупные неприятности: часть его судов с товарами потонула, а остальные были захвачены пиратами. Коммерсант понес такие убытки, что вынужден был распродать все свое имущество. Полотно Веласкеса приобрел другой испанский негоциант. Не успел он отдать деньги за картину, как в склад с его товарами в порту угодила молния. Начавшийся пожар уничтожил все дотла… «Венеру» вновь выставили на аукцион. На этот раз ее купил богатый ростовщик. Три дня спустя в его дом забрались грабители. Чтобы получить доступ к сундукам с золотом, они зарезали хозяина… В Мадриде заговорили о дурной репутации картины. Наследники убитого ростовщика никак не могли сбыть шедевр с рук. В конце концов, они отдали его за бесценок в музей. После этого полотно долго путешествовало по музеям и частным коллекциям, и в начале прошлого века оказалось в Национальной галерее в Лондоне. В 1914 г. среди туристов оказалась женщина, страдавшая психическим заболеванием. Она бросилась на холст с ножом и повредила его.

6. Славу картины-поджигательницы заслужили «Водяные лилии» Клода Моне. Они, совершенно серьёзно, считаются пожароопасными. Первым от картины пострадал сам художник — его мастерская едва не сгорела, лишь только последний мазок лег на полотно. На радостях, в связи с завершением работы, Моне устроил пирушку со своими друзьями. Вдруг в мастерской вспыхнул небольшой пожар. Пламя залили вином, не придав происшествию особого значения. Картину приобрело одно кабаре на Монмартре. Через месяц в заведении случился пожар, и оно выгорело дотла. Но «Лилии» успели вовремя вытащить из огня. Новым владельцем картины стал парижский меценат Оскар Шмитц. Через год его дом сгорел. Пожар начался в кабинете, где висело полотно с лилиями. Само оно чудом уцелело. В 1958 г. злополучный пейзаж попал в Нью-Йоркский музей современных искусств. Четыре месяца спустя и здесь приключился пожар. На этот раз картина сильно обуглилась.

7. Кубизм, абстракционизм — не спасает. У Пикассо покончили жизнь самоубийством две жены и внук.  — Подобный текст блуждает по интернету (http://mir-i-mi.ucoz.ru/news/prokljate_zhivopisnykh_poloten/2013-03-19-25). Но, в какой степени это имеет отношение к обсуждаемой теме, вопрос спорный. В семье Пикассо действительно было много трагедий (Георгий Хабаров. Замужем за Пикассо. Совершенно секретно, No.8/171):

«Пикассо влюбился в балерину, Ольгу Хохлову из труппы Дягилева, который и познакомил их. Художнику, пользовавшемуся в Париже шумной и даже скандальной известностью, было тогда 36 лет. Он много ее рисовал в манере сугубо реалистической, на чем настаивала сама балерина, которая не любила непонятные ей эксперименты в живописи… 12 июля 1918 года в мэрии 7-го парижского округа прошла церемония бракосочетания. Впоследствии он делал бесконечные рисунки сына и жены, помечая на них не только день, но и час. Все они выполнены в неоклассическом стиле, а женщины в его изображении напоминают олимпийские божества.

В январе 1927 года на улице, в толпе, выходящей из метро, Пикассо увидел красивую девушку с серо-голубыми глазами. «Он схватил меня за руку и сказал: «Я Пикассо! Вы и я вместе совершим великие вещи», — вспоминала впоследствии Мари-Терез Вальтер. Ей было тогда 17 лет. Началось самое большое увлечение в жизни Пикассо, не знавшее ни границ, ни табу. Предаваясь этой безумной страсти, художник пытался забыть Ольгу, вычеркнуть ее из своей жизни.

Художник однажды признался, что делил всех представительниц прекрасного пола на «богинь» и «половые коврики». Ему доставляло особую радость превращать первых — во вторых, вытирая о них ноги, и они, «богини», не только позволяли ему это делать, но и получали от этого удовольствие. В нем был исключительно сильно развит инстинкт разрушения. Его любовницами становились жены его близких друзей, порой с их ведома и согласия, как, например, было со второй женой Поля Элюара — Нюш. И вся его жизнь прошла под знаком борьбы инстинктов созидания и разрушения. …. «Каждый раз, когда я меняю женщину, — говорил Пикассо, — я должен сжечь ту, что была последней. Таким образом я от них избавляюсь. Это, возможно, и возвращает мне молодость».

… в отношениях с женщинами часто брало верх именно деструктивное начало. 20 октября 1977 года в гараже своего дома в средиземноморском городке Жуан-ле-Пен покончила с собой (повесилась) Мари-Терез Вальтер, которой было 68 лет. Накануне открытия очередной выставки художника в Мадриде 15 октября 1986 года в 3 часа утра в своей кровати застрелилась его вторая жена Жаклин Пикассо. Нервной депрессией страдали Ольга, художница Дора Маар, которая была его любовницей во время создания «Герники».

В 1943 году Пикассо познакомился с художницей Франсуазой Жило, которой был всего 21 год. На несколько лет она стала его новой музой. Это был очередной удар для Ольги, которая продолжала ревновать бывшего мужа ко всем его новым пассиям. В 1949 году у Франсуазы Жило родилась дочка Палома, а три недели спустя Пикассо стал дедом — у Поля родился сын, которому в честь художника дали имя Пабло, но впоследствии обычно звали Паблито.

«Драма моего отца (Поля Пикассо) заключалась в том, — рассказывала Марина Пикассо, — что всю свою жизнь он находился в полной зависимости от великого мастера и каждый месяц, унижаясь, был вынужден просить у него деньги»… Материальную зависимость родителей, естественно, долгие годы ощущала на себе и Марина Пикассо, которая с братом и матерью более чем скромно жила в южном городке Гольф-Жюан. В отношениях с родственниками и близкими мэтр, по словам внучки, неукоснительно придерживался принципа «Я — все, ты — ничто!».

«Отношения с дедом у нас складывались очень трудно, — вспоминает Марина. — Я с ним практически не имела никаких контактов. Когда после окончания школы хотела поступить на медицинский факультет, Пикассо сообщил через секретаря, что у него нет возможности оплачивать мою учебу… Долгое время я считала его виновным в преждевременной кончине отца и в исковерканной жизни матери».

Ольга Хохлова в последние годы жила в Канне в полном одиночестве. Она долго и мучительно болела и 11 февраля 1955 года скончалась от рака в городской больнице. На похороны пришли только ее сын и несколько друзей. Пикассо в это время в Париже заканчивал картину «Алжирские женщины» и не приехал.

Пабло Пикассо скончался 8 апреля 1973 года. Ему был 91 год… Его внук Паблито просил разрешить ему присутствовать на похоронах, но последняя жена художника Жаклин Рок ответила отказом. В день похорон Паблито выпил флакон с деколораном — обесцвечивающей химической жидкостью. Когда его доставили в больницу, врачи констатировали, что он сжег себе внутренности. …. Спасти Паблито не удалось. Его похоронили в той же могиле на кладбище в Канне, где покоится прах Ольги.

6 июня 1975 года от цирроза печени умер 54-летний Поль Пикассо. Его двое детей — Марина и Бернар, последняя жена Пабло Пикассо Жаклин и еще трое внебрачных детей — Майя (дочь Мари-Терез Вальтер), Клод и Палома (дети Франсуазы Жило) — были признаны наследниками художника. …. Всем наследникам было предоставлено право взять себе на память по одной работе художника. Марина выбрала картину, на которой изображена совсем молодой ее бабушка Ольга.

«Любовь к детям, — подчеркивает Марина Пикассо, — я унаследовала от бабушки. Ольга была единственным человеком из всего клана Пикассо, кто относился к нам, внукам, с нежностью и вниманием. И свою книгу «Дети, живущие на краю света» я во многом написала для того, чтобы восстановить ее доброе имя. Про Ольгу при ее жизни, в том числе самим Пикассо, было сказано столько неправды…»»

Складывается впечатление, что трагические судьбы жен, любовниц, внука, да и сына великого художника связаны, в первую очередь с характером Пабло Пикассо и обстановкой в его семьях. Хотя…

8. Десятки людей, входившие в контакт с известной картиной Эдварда Мунка «Крик», стоимость которой эксперты оценивают в 70 миллионов долларов, подвергались всяческим неприятностям: заболевали, ссорились с близкими или, вообще, умирали. Однажды служащий нечаянно уронил картину. И картина начала мстить ему за небрежное отношение к ней. У него начались мигрени, о которых раньше он и понятия не имел. Закончилось дело тем, что бедняга покончил с собой. В другой раз рабочий музея выронил картину, когда ее перевешивали с одной стены на другую. Неделю спустя он попал в кошмарную автомобильную аварию, в результате которой у него оказались сломанными ноги, руки, несколько ребер, он получил трещину таза и сильнейшее сотрясение мозга. Один из посетителей музея пытался потрогать картину пальцем. Через несколько дней у него дома начался пожар, в котором этот человек сгорел заживо.

Да и жизнь самого Эдварда Мунка, родившегося в 1863 году, представляла собой череду нескончаемых трагедий и потрясений. Болезни, смерть родных, сумасшествие. Его мать умерла от туберкулеза, когда ребенку было 5 лет. Через 9 лет от тяжелой болезни скончалась любимая сестра Эдварда Софья. Затем умер брат Андреас, а его младшей сестре врачи поставили диагноз «шизофрения». В начале 90-х годов Мунк пережил тяжелый нервный срыв и длительное время проходил лечение электрошоком. Он никогда не женился, потому что мысль о сексе приводила его в ужас. Умер в возрасте 81 года, оставив в дар городу Осло огромное творческое наследие: 1200 картин, 4500 эскизов и 18 тысяч графических работ. Но вершиной его творчества остается, конечно, «Крик». Во многих работах эту картину называют: «Проклятая картина — Мунк Э. «Крик»

9. Модильяни. На самые громкие полотна художника вдохновила Беатрис Гастингс, но она сбежала через два года. Затем ему позировала новая возлюбленная — его студентка Жанна Эбутьен. Через три года эта натурщица выбросилась из окна и разбилась насмерть. — Именно такой упрощенный текст путешествует по интернету.

В действительности, ситуация была иной. В июне 1914 года Модильяни познакомился с талантливой и эксцентричной англичанкой Беатрис Гастингс, которая уже успела попробовать себя на поприще цирковой артистки, журналиста, поэтессы, путешественника и искусствоведа. Беатрис стала спутницей Амедео, его музой и излюбленной моделью — он посвятил ей 14 портретов. Связь с Беатрис продлилась более двух лет. Поэтесса работала в Париже обозревателем английской газеты The New Age и описывала общественную жизнь города. Помимо прочего она написала в газете об употреблении Модильяни и его друзьями Морисом Утрилло и Хаимом Сутином алкоголя и гашиша. Тема употребления наркотиков художниками была подхвачена прессой.

В апреле 1917 Модильяни повстречал девятнадцатилетнюю юную художницу Жанну Эбютерн, студентку Академии Коларосси. Она была влюблена в него и совершенно справедливо считала его гением. Жанна стала женой и основной моделью художника — Модильяни изобразил её на полотнах не менее 25 раз.

Но их счастье было недолгим. Амедео — человек непрактичный (в дружеских кругах его называли «Гений-шлимазл»). Он теряет деньги и паспорт, ссорится с тещей, уходит из гостиницы, за которую заплатил Зборовский, пьет и буянит. И много рисует. А Жанна — и вовсе не от мира сего.

Модильяни скончался 24 января 1920 года от туберкулёзного менингита в одной из парижских клиник. Днём позже, 25 января, покончила жизнь самоубийством и Жанна Эбютерн, находившаяся на 9-м месяце беременности. Амедео был похоронен в скромной могиле без памятника на еврейском участке кладбища Пер-Лашез; в 1930 году, через 10 лет после гибели Жанны, её останки были захоронены в соседней могиле. Их уцелевшего ребёнка удочерила сестра Модильяни.

Этот материал не дает основания думать, что смерть Жанны Эбютерн была связана с тем, что она позировала великому художнику. Да и Анна Ахматова, с которой Модильяни был близок и рисовал её, прожила долгую жизнь. Хотя…

10. Великий фламандский живописец Рубенс — Гомер мировой живописи. Его постоянной моделью была первая жена — красавица Изабелла Брант. Часто писал он и свою дочь. Изабелла умерла, не дожив до тридцати пяти лет. В браке с Изабеллой Брант у Рубенса было трое детей. Дочь Клара-Серена родилась в 1611 году и умерла 12-летней от болезни. Незадолго до кончины Рубенс набросал её портрет. . Ни оставшиеся в живых, ни все остальные потомки Рубенса живописью не увлекались. Целомудренный Рубенс никогда не работал с обнажёнными натурщицами у себя в мастерской и с натуры писал только лица.

Рубенс долго оплакивал своих близких и лишь многие годы спустя, когда ему уже перевалило за пятьдесят (53 года), женился на шестнадцатилетней красавице Елене Фоурмен, тоже ставшей моделью великолепных мадонн Рубенса. В частности, на «Портрете Елены Фоурмен с двумя детьми» изображена вторая жена художника, ставшая его последней любовью и приходившаяся родной племянницей его первой супруге.

Он беспрерывно писал ее портреты и в качестве героини множества мифологических сюжетов — она становилась все краше, нарожала много здоровых детишек. Вскоре Елена… похоронила своего супруга, намного пережив его. Современные специалисты утверждают, что она обладала очень сильным биополем, способным защитить ее от «вытягивания» жизненной энергии за полотно. Первая жена этого качества была лишена и поплатилась жизнью.

11. Репродукция (репродукция, а не само полотно!) с картины художника Джованни Браголина (также известного как Бруно Амадио) «Плачущий мальчик» подожгла не один десяток домов на севере Англии в середине 80-х годов XX века. В те годы «Мальчик» неожиданно приобрел популярность. Одна полиграфическая компания на хорошей бумаге напечатала репродукции, которые мгновенно разошлись. А потом запылали дома, в которых они висели. Не только суеверными людьми, но и профессиональными пожарными, репродукция считается проклятой и вызывающей пожар в помещениях, где она находится.

История создания картины такова: моделью для «Плачущего мальчика» служил сын художника. Малыш отказывался плакать, и злобный папаша стал жечь возле его лица спички. Наконец ребенок заревел: «Чтоб ты сам сгорел!» Не прошло и месяца, как мальчик скончался от пневмонии, а еще через пару недель в доме Браголина возник пожар, в котором погиб и сам художник, и почти все его работы…

4 сентября 1985 года британская газета «The Sun» опубликовала статью «Blazing Curse of the Crying Boy». В статье семейная пара Рона и Мей Халлов из Ротерема (Саут-Йоркшир) утверждала, что после того, как в результате пожара выгорел их дом, посреди разрушений на стене осталась неповреждённая дешевая репродукция картины с плачущим мальчиком.

В дополнение сообщалось, что очень часто на пожарищах пожарные находили неповреждённую репродукцию «Плачущего мальчика». Статья сопровождалась фотографией репродукции с подписью «Tears for fears… the portrait that firemen claim is cursed» (Слезы за страх… портрет, который пожарные считают проклятым).

Статья была написана в таком стиле, чтобы у читателей не оставалось сомнений в том, что это именно так. Также к статье прилагалась краткая справка о том, что в магазинах Великобритании было продано более 50 000 репродукций картины, которые разошлись в основном в рабочих районах Северной Англии».

Прочитав на одном дыхании, как говорят, проглотив текст, Ласочка подняла чудесное лицо Майи Плисецкой:

— И что ты думаешь, по поводу этого удивительного текста?

— Я ему, в основном, верю.

— Я тоже верю, но, чтобы начинать действовать, нам не мешало бы иметь какие-то опорные точки….

— Родная моя, они есть…

— Просвети меня тогда, пожалуйста.

— Я думаю, исходной должна быть следующая, почти обязательная для всего дальнейшего максима: речь идет о выдающихся из выдающихся, подлинно великих, гениальных художниках. Рядовые — не в счет! Может быть это им и обидно, но не в счет! В утешение им могу сказать — они вполне могут быть счастливыми людьми и без этого дара, ибо простого человеческого счастья его обладателю он не приносит! Так вот, дар этот заключается в том, что созданию шедевра обязательно предшествует особое, измененное состояние сознания художника! Повторяю: «измененное состояние сознания художника»!

Ученые разных стран пришли к заключению, что при создании «судьбоносной картины», в состоянии творческого экстаза, в мозг художника поступает огромное количество энергии и у него развивается «измененное состояние сознания». На электроэнцефалограмме в это время наблюдаются особые медленные волны, характерные для активной работы подсознания, которые не бывают у обычного человека. Именно в таком состоянии художник способен творить чудеса. https://www.kramola.info/blogs/neobyknovennoe/chudotvornaya-i-smertelnaya-magiya-kartin

— Кола, нельзя ли поподробнее?

— Дорогая моя, Ласочка, когда-то Майя Михайловна Плисецкая сказала: «В искусстве не важно „что“. Самое важное — „как“. Нужно, чтобы дошло до каждого, чтобы душу трогало — тогда это настоящее, иначе никак.». Это, зачастую, верно, но к написанию Вечной картины Величайшим Мастером, Гением из Гениев Кисти это, с определенностью, не относится. Живопись — это конечно же искусство, но в ней имеется удивительное «что»! Это «что» называется «измененное состояние сознания»! Оно, по определению, далеко выходит за понятия собственно живописи и искусства. Оно является частью Великого Космоса, Необъятной Структуры, включающей Природу Земли, как частность. Вот как это виделось Кола Брюньону: «Иной раз, остановившись посредине рассказа, я присочиняю конец; затем сличаю создание моей фантазии с тем, которое изваяно жизнью или искусством; Когда его ваяло искусство, я нередко разгадываю загадку… Но когда ваяла жизнь, я подчас плошаю. Она лукавее нас, и ее выдумки почище наших. Вот уж буйная особа!..»

Вот мнения специалистов. Кандидат искусствоведения Н. Синельникова: «Настоящий художник, создавая картину, вкладывает в нее душу, насыщает ее большой энергией. При этом художник обязательно чем-то подпитывается — от шоколада до космической энергии, кто чем может. От степени „подключения к источнику питания“ и зависит, очевидно, влияние творца на окружающих людей. В кругу художников это называют эмоциональным воздействием, энергетикой. Всем известна профессиональная шутка художников: „Писать сегодня не могу, нет вдохновения. Оно обещало прийти, но не сказало, когда“. Это шутка, но в каждой шутке есть доля правды. Кто-то подумает, что это лень или неорганизованность. На самом деле, такое состояние означает как раз то, что у художника в данный момент недостаточно энергии, чтобы начать или продолжить работу».

На первый взгляд, речь, действительно, идет об энергии. Но в действительности, все гораздо серьёзнее. И высоко профессиональные художники часто пользуются и другой, несравненно более ёмкой формулировкой, и кстати, совсем не шуточной: «Писать не могу. — Не накатило!»

О природе этого «накатило», на примере своего собственного погружения в картину «Сантана» (Безостановочная река жизни), подробно пишет Н. К. Рерих: «Я врезаюсь в пространство картины с затаенным страхом… Сила воздействия ассоциируется с Апокалипсисом… Но, несмотря на это, чувствуя вокруг себя много воздуха, слышу, как ревет ветер, слышу движение гор. Весь окружающий мир живой и в движении. Живы горы, земля, небо. Может, и не Земля вовсе. В этой картине — дыхание Космоса. Идет процесс сотворения чего-то глобального. Может быть, самого мира. Мое „Я“ торжествует, радость и вдохновение разлиты по вращающимся горам… Увы, меня вернули на землю».

Итак, в момент созидания великий художник превращается из обыкновенного человека в симбиоз человека и космоса. Точнее, человеческого мозга и безбрежных возможностей мирового космического информационного пространства. Своего рода, робот, андроид! В эти творческие минуты и часы перед нами за мольбертом сидит нечто большее, и нечто иное, чем человек. Да и человек ли это, вообще?

Ласочка вздрогнула:

— Кола, не круто-ли?

— К сожалению, нет. «Измененное состояние сознания» не вмещается в человеческий мозг и в самого человека. Оно выплескивается из него и заставляет идти вразрез с требованиями этики, морали, нравственности, с человечностью, наконец.

— Я готова осознать это умом, но не могу принять чувствами…

— Это не просто. Поэтому я познакомлю тебя с невольным свидетельством матери художника Серова, почувствовавшей это на себе самой:

«Долгие годы была я дружна с Марианной Таврог. Профессия её режиссёр-документалист. Она мне поведала историю о том, как молодой Валентин Серов обратился к матери с просьбой позировать ему. Естественно, мать согласилась. Не прошло и десяти минут сеанса, как его мать — Валентина Семёновна Серова (суфражистка) упала в обморок. Она не выдержала взгляда художника Серова, отличавшегося от взгляда её сына». (Майя Уздина О странных явлениях в живописи. Неужели это правда?) https://www.proza.ru/2016/07/08/510

— Видишь? Но, ведь это всего лишь взгляд… Взгляд художника Серова испугал его собственную мать. Он показался ей страшным и бесчеловечным. Существуют более серьёзные материалы. Известно, что написание картины об Иване Грозном стало идефиксом для Репина, он стал одержим. — У художника долго не получалось изобразить «живую» кровь на картине, сочащуюся сквозь пальцы отца-убийцы, чтобы она выглядела как настоящая, а не как мазок краски. При этом он не особо стеснялся, когда видел возможность запечатлеть кровь, бегущую из раны. Более того, он мог был совершенно безжалостен. У дочки Веры долго не останавливали кровь из носа после падения с высоты, чтобы её папа мог поподробнее изучить как струится кровь. Когда на улице Репин увидел смерть женщины, попавшей под пролётку, он не замедлил побыстрее добраться до своей мастерской и запечатлеть увиденную «живую» кровь. http://docplayer.ru/26876098-Pamyatnik-repinu-hudozhnik-realnost-paradoksy-i-mistika.html

Означает все это одно: в «измененном состоянии сознания» великий Репин был, по — своему, «кровожаден». Но это лишь цветочки. «Кровожадным» быть, конечно, плохо. А убийцей? Между тем, именно такого рода экстремальный исторический пример существует. И относится он к «измененному состоянию сознания» величайшего художника. Ходили слухи, что Микеланджело убил натурщика, чтобы достовернее показать муки умирающего Христа. Этот мотив прослеживается у А. С. Пушкина в «Моцарт и Сальери» (Маленькие трагедии):

Сальери

До свиданья.

(Один.)

Ты заснешь
Надолго, Моцарт! Но ужель он прав,
И я не гений? Гений и злодейство
Две вещи несовместные. Неправда:
А Бонаротти? Или это сказка
Тупой, бессмысленной толпы — и не был
Убийцею создатель Ватикана?

— Кола, ты знаешь, я знакома с поэзией Буонарроти. Она содержит немало совершенно трагических страниц и строк. Например:

Лишь я один, горя, лежу во мгле,
Когда лучи от мира солнце прячет;
Для всех есть отдых, я ж томлюсь, — и плачет
Моя душа, простерта на земле.
Существуют в ней и полупризнания:
Живу в грехе, погибелью живу я,
И правит жизнью грех мой, а не я;

Но я всегда думала, что это связано с его восприятием жизни и искусства

Никто желанной воли не найдетДо той поры, пока не подойдетК пределам жизни и искусства Но, чтобы он был способен на убийство? Микеланжелло — убийца? Я поражена!

— Это совсем не просто принять. Но дело в том, что этот человек не только в процессе написания картины, но и всегда, постоянно жил в «измененном состоянии сознания». Образно рассказал о величайшем Микеланджело Буонарроти (Michelangelo Buonarroti; иначе Микеланьоло ди Лодовико ди Лионардо ди Буонаррото Симони) (1475-1564), итальянский скульптор, живописец, архитектор, поэт, мыслитель.) Самуил Лурье (Цена Бессмертия). http://prochtenie.ru/art/24093

«Микеланджело Буонарроти никогда не смеялся. Жил в каком-то сумрачном исступлении. Лихорадочно спешил создать произведения искусства, которые превзошли бы красотой и величием все, что было создано до него. «Я тружусь через силу, больше, чем любой человек, когда-либо существовавший, — при плохом здоровье и с величайшим напряжением», — похвальба и плач из письма в письмо.

С людьми он обращался так, словно в целой вселенной он один был занят делом, а все остальные — жадная родня, скупые заказчики, бездарные подмастерья —сговорились докучать ему и вредить. И работал с таким ожесточением, точно дал клятву заселить землю изваяниями и расписать небо.

Распространено было предание, что он умертвил натурщика, чтобы естественнее изобразить умирающего Христа.

Но Микеланджело, конечно, зашел дальше всех. Он, видите ли, пытался установить — где в человеческом теле помещается душа. Ради чего анатомировал покойников. Как самодеятельный такой, нелегальный анатом, кладбищенский маньяк. Страшно рискуя. ….

Он пытался, так сказать, вручную взломать мироздание и силой заставить материю свидетельствовать о Боге.

Вывести в область видимости человеческую душу. Следов которой не отыскал внутри мертвых тел. Ее должна была изобразить поверхность тел искусственных.

В мире ему было душно. От мраморной пыли першило в горле, краска ела глаза, и выводила из себя окружающая глупость……

Его при жизни признали величайшим на свете скульптором, живописцем, поэтом и архитектором. Коронованные особы ходили к нему на поклон. Он заработал и скопил миллионное состояние — никогда ни один художник не был так богат.

Никто и никогда не чувствовал себя таким несчастным. По крайней мере, никто не жаловался на судьбу так громко. На такую судьбу!

«Живопись и скульптура, труд и верность меня погубили; и так продолжается все хуже и хуже. Было бы для меня лучше, если бы я с ранних лет научился делать серные спички — я не испытывал бы стольких страданий!»

Тот, который никогда не смеялся. Тот, кто жестами, похожими на рыданья, рассказывал о человеке, что он смертен и что он летает во сне.»

— Не скрою, довольно печально. И раз уж это столь серьёзно, не мог ли бы ты попытаться обобщить всё, в чем проявляется великое для живописи, и столь грозное для много другого «измененное состояние сознания» (ИСС) — то самое «что»!

— Я попытаюсь, но это не просто из-за своей многогранности, многоликости и многоадресности ИСС. Прежде всего, в процессе создания картины, художник и его мозг обладают колоссальной творческой энергией и энергией вообще. И её расходование идет по следующим направлениям:

1. Выдающиеся художники вкладывают в картины всю душу, насыщая полотна огромной энергией, которая за десятилетия или века своеобразной «выдержки» в какой-то момент может достигнуть критического уровня и непредсказуемо «выстрелить». Но ответа на вопрос: когда и в кого будет направлено это оружие — пока, к сожалению, нет. http://newrezume.org/news/2016-03-18-13630
2. Рисуя, художник переносит на холст часть своей души и она остается там навсегда.
3. Рисуя, художник переносит душу изображаемого на холст, и она остается там, в этом полотне жить в, своего рода, заключении. Душа портретируемого человека отторгается от тела.

https://www.proza.ru/2015/09/14/408

4. Если эти души попадают в ловушку и не могут уйти из этого пространства, вероятно полотна несут энергетику своего времени и являются связующей нитью или временным портальным переходом из одной мерности времени в другую — своего рода, дверью. https://www.proza.ru/2015/09/14/408
5. Выдающиеся художники вкладывают такую энергию в свои шедевры, что энергия эта не пропадает, а воздействует на зрителей и людей, позировавших этим художникам.
   https://www.proza.ru/2016/07/08/510

— Хорошо. Я это приняла. Но теперь, пожалуйста, подробнее о Душе. Точнее о судьбах и перемещениях Душ художника и портретируемого или натурщика.

— Постараюсь. Огромные возможности «измененного состояние сознания» (ИСС) позволяют не только, следуя Морису Кантену де Латур (фр. Maurice Quentin de La Tour; 1704—1788) —французский портретист), овладевать душой человека: «Они думают, что я схватываю только черты их лиц, но я без их ведома спускаюсь в глубину их души и овладеваю ею целиком». Но, более того, ИСС способно «отре’зать» неведомым скальпелем часть души или всю её от человеческого тела и перебросить её в полотно картины.

Одновременно, подобный же процесс осуществляется и с душой самого художника. Могучими силами ИСС часть души великого художника отсекается от него и имплантируется в создаваемое полотно.

В итоге этой бесчеловечной операции — подлинной вивисекции, — мы получаем частично одухотворенный, если хотите, очеловеченный мировой, вневременной шедевр живописи, содержащий части или полную душу портретируемого, и фрагменты души самого великого художника. Другими словами, созданный шедевр — это уже не вещество (краски, холст, рама) — это СУ-ЩЕСТ-ВО!

Взгляни на этот лик; искусством он
Небрежно на холсте изображен,
Как отголосок мысли неземной,
Не вовсе мертвый, не совсем живой;

……….

Смотри: лицо как будто отошло
10 От полотна, …

М. Ю. Лермонтов «Портрет»,

После завершения работы над картиной (портретом) остается человек (модель, натурщик, портетируемый), который подвергся насильственной операции по пересадке органа и лишенный при этом части или всей дущи, без которой он или не может существовать вообще, или останется инвалидом на всю оставшуюся жизнь,

Ну и, наконец, — сам великий художник, переживший под действием «измененного состояния сознания» фантастический взлет гениальности, пароксизм бесчувственности и бесчеловечности в виде незаконной и чудовищной операции над моделью и над собой, и в результате, потерявший какую-то часть своей собственной души, подаренной картине и внедренной в неё.

— Кола, ситуация, нарисованная тобой, ужасна. Это сродни с вандализмом! И уж, конечно, не имеет никакого отношения к поэтическим восторгам:

Любите живопись, поэты!
Лишь ей, единственной, дано
Души изменчивой приметы
Переносить на полотно.

Николай Заболоцкий «Портрет»

— Как теперь, частенько, говорят в России, «Вот такие пироги», дорогая Ласочка. Ситуация с созданием мировых шедевров живописи имеет теневую сторону. Притом, очень неприглядную. А порой и социально опасную. Это та цена, которую готово платить человечество за создание великих полотен и чудесных музеев. — А теперь давай вместе проанализируем каждую из компонент «сухого остатка», уже после создания мирового шедевра живописи.

Вначале о мировом шедевре. Создана Личность со своим характером и привычками и, самое главное, с большой энергией. И как она распорядится ею, заранее, сказать трудно. Как и невозможно предсказать — несет ли она добро или зло. Ведь она создана, скажем так, неестественным путем. Я не знаю, применимо ли к этой ситуации слово «незаконнорожденный»! Однако выглядит всё это очень и очень странно. В этом Существе смешались души художника и модели, зафиксированные в картине с одной стороны канвасом, с другой — слоями красок. При этом совсем не понятно, хотят ли эти души или их части вернуться к своим хозяевам, но их насильственно удерживают слои краски, или не хотят. Другими словами, напряженная ли это конструкция или нет. Злая она или нет. Несет ли она добро зрителям и людям, вообще, или нет. Одним словом, ситуация эта бесконечно далека от идеализма и романтичности Павла Антокольского («Весь грузный хлам веков, всё золото музеев»)

Художник с музами сдружился в пляске вечной
И властною рукой
Из беспорядочности создал человечный
Порядок и покой.

— Кола, взгляни, какая получается сложность и неопределенность. Подлинной целью мастера было создать полотно на тот или иной сюжет. Живописец и создал картину по своему замыслу. Он передал лейтмотив и насытил его своими чувствами, мыслями, мировоззрением и настроением. Не случайно сказано: «Любая картина — это замочная скважина, сквозь которую можно подглядеть душу художника.» (Аль Квотион). Это то, что он хотел сделать и сделал. Но, одновременно, возникло и Живое Существо — Личность Картины. И произошло это помимо того, что желал художник. Точнее, дело даже не в том, что он хотел или не хотел — он, как говорят, ни сном ни духом, и не подозревал о самой этой возможности. Развитие творческого процесса диктовалось измененным состоянием сознания (ИСС), которое выплескивалось далеко за цели художника и вело его, его кисть и невидимые скальпели, и ланцеты ИСС за собой. И теперь уже трудно отделить влияние на зрителя чистого мастерства художника и передаваемого им зрителю, так называемого, катарсиса (Ка́та́рсис (от др.-греч. κάθαρσις — возвышение, очищение, оздоровление) — сопереживание высшей гармонии в трагедии, имеющее воспитательное значение) от, безусловно, существующего, но трудно оценимого и не прогнозируемого воздействия Личности Картины.

— Ласочка, ты права — вопрос этот не определен и относится, пока, к разряду очень вероятных гипотез. Поэтому заблуждаться здесь можно настолько глубоко, что позволительно заблуждаться даже насчет глубины своего заблуждения. Тем не менее, обсуждать его целесообразно. Тем более, что задолго до нас эта тема притягивала и многих писателей, и поэтов. Давай сосредоточимся на взаимодействии Личности картины и модели (портретируемого, натурщика). В простейшем варианте, находящийся в ИСС живописец захватывает всю душу модели, ампутирует её и внедряет в матрицу Картины. Происходит что-то подобное тому, о чем когда-то было сказано: «Бойтесь кисти живописца — его портрет может оказаться более живым, чем оригинал». (Корнелий Агриппа Неттесгеймский (настоящее имя Ге́нрих Корне́лиус Неттесгеймский).

— Да, да, — продолжила Ласочка. — Попросту говоря, это означает, что лишенный души человек погиб или сразу, или спустя некоторое время. Вот как писал об этом Эдгар По в «Овальном портрете» («Смерть и жизнь»):

«Она была дева редчайшей красоты, и веселость ее равнялась ее очарованию. И отмечен злым роком был час, когда она увидела живописца и полюбила его и стала его женою. Он, одержимый, упорный, суровый, уже был обручен — с Живописью; она, дева редчайшей красоты, чья веселость равнялась ее очарованию, вся — свет, вся — улыбка, шаловливая, как молодая лань, ненавидела одну лишь Живопись, свою соперницу…»

Рассказ заканчивается, когда был положен последний полутон:

«И тогда кисть коснулась холста, и полутон был положен; и на один лишь миг живописец застыл, завороженный своим созданием; но в следующий, все еще не отрываясь от холста, он затрепетал, страшно побледнел и, воскликнув громким голосом: „Да это воистину сама Жизнь!“, внезапно повернулся к своей возлюбленной: — Она была мертвой.»

Этот же мотив прослеживается и в строфе

Эта женщина минула,
в холст глубоко вошла.
А была она милая,
молодая была.

Б. Ахмадулина «Старинный портрет»

— Совершенно верно, родная. Кроме этого, выявлен печальный факт: когда художнику позирует не близкий ему человек, он забирает меньше энергии, чем, когда рисует собственных детей или жену. Подчиняясь командам ИСС, художник «сжигает» свою модель. А теперь представь себе, что Портрет захватил лишь часть души модели. Вероятно, что Модель понесла определенный ущерб, но уцелела. В этом случае представляется реальной постоянная связь между душой модели и её частью — в портрете. Она будет существовать до тех пор, пока существуют Картина и Модель, независимо от расстояния между ними. Но наступит момент, когда, по тем или иным причинам, Модель умрет. Портрет немедленно почувствует это и в нем произойдут изменения. Анна Ахматова написала в 1940 году:

Когда человек умирает,
Изменяются его портреты.
По-другому глаза глядят, и губы
Улыбаются другой улыбкой.
Я заметила это, вернувшись
С похорон одного поэта.
И с тех пор проверяла часто,
И моя догадка подтвердилась.

«Когда человек умирает, 21 мая 1940 — Да-да. Я сейчас вспомнила, что взаимосвязь портрета и прототипа описана в романе-притче Оскара Уайльда «Портрет Дориана Грея» — талантливый живописец Бэзил Холлуорд с увлечением работает над портретом необыкновенно красивого юноши, с которым недавно познакомился. Тому двадцать лет; зовут его Дориан Грей. Но вот портрет закончен; присутствующие восхищены его совершенством. Златокудрый, обожающий все прекрасное и нравящийся сам себе Дориан мечтает вслух: «Если бы портрет менялся, а я мог всегда оставаться таким, как есть!» Растроганный Бэзил дарит портрет юноше. Дориан в последующие двадцать лет «все сильнее влюбляется в свою красоту и все с большим интересом наблюдает разложение своей души»: наркотические зелья, притоны с недоброй известностью, раз за разом влюбляющийся, но не способный любить, сомнительные связи, подозрительные знакомства. слава бездушного совратителя молодых умов. На холлуордовском портрете, пылящемся в тёмном углу, божественной красоты юноша, превращался в мерзкого сластолюбивого старина по мере духовного разложения своего прототипа — Дориана.

— Как видишь, в случае с портретом и натурщиком это ясно — ведь у них, по существу, одна и та же душа. Но оказывается, что даже человек и его фотография становятся связаны незримыми узами. Хорошо известно, что через фото можно искать пропавших без вести, лечить больных на расстоянии, и даже искать преступников. И, наконец, о зрителе.

В приведенном выше Дайджесте содержится немалое количество примеров того, как многие картины, принадлежавшие гениальным художникам мирового масштаба, прямо и, притом, негативно влияли на зрителей, даже через фотокопии. Существуют и многочисленные другие свидетельства такого же рода. Иногда они правдоподобны. Иной раз, находятся на грани и относятся к категории «хочешь верь, хочешь не верь». К последним, например, причисляются приводимые ниже:

«В 1996 году в музее Прадо в Мадриде на глазах у ошеломленных туристов из Японии с картины Веласкеса сошла инфанта Маргарита и… помочилась на пол! Затем, естественно, вернулась обратно в картину. Примечательно, что это видели только те, кто находился в непосредственной близости от картин. Остальные же посетители не замечали ничего особенного».

… Как недавно сообщали многие средства массовой информации, в одном из музеев Нью-Йорка, практически перед самым закрытием, когда в зале уже почти не осталось людей, из картины неизвестного художника XIX века вышел призрак молодого человека в охотничьем костюме и задушил стоявшего рядом посетителя. Музейные смотрители подоспели к месту преступления, когда призрак уже вернулся на свое место в портрете…

(Г.Федотов «Интересная газета. Пси-фактор» № 1, 2 2008 г.)

— Кола, мы с тобой любим искусство и обожаем художников. Знаешь, я всегда за одно с Брюньоном. Но у него есть фраза, с которой, после всего «вышеизложенного», мне согласиться трудно: «Мир — бесплодная равнина, где, местами колосятся нивы, засеянные нами, художниками.». Но, оказывается, мир намного сложнее… Я сейчас перебираю в уме чудесную Брюньоновскую коллекцию и единственное, что хотелось бы использовать в данном случае, это «Осы — в гнезде; пусть там и остаются!..»

-Э-э-э, моя дорогая, нам это не дано. «Что толку думать сложа руки!». У нас есть приказ и с завтрашнего дня мы с тобой приступаем к его исполнению. Нам поручено проверить в некоторых музеях России существующие там работы западных мастеров, ни мало, ни много, на предмет существования в их полотнах душ. Точнее, ты знаешь, что Божественная Дуща создана по индивидуальному лекалу для каждого человека. Однако все души созданы из одного и того же Вечного Звездного Материала. Нам с тобой поручено провести прямое исследование и отобрать образцы душ из всех доступных нам картин, …если они там есть… Как говорила Майя Михайловна: «От кометы в руках зрителя должен

остаться хвост».

— И как ты намерен все это сделать?

— Я немного виноват, что сразу поле визита Наверх не сообщил тебе об одной важной детали. Медики нашего Научно-Технического Департамента снабдили меня некоторыми техническими возможностями отбирать микроскопические пробы душ, если они существуют в великих полотнах. и хранить их в специальном коллекторе. И все это я должен буду делать, находясь в нематериальном — чисто Душевном Состоянии. Для этого достаточно лишь провести рукой вдоль полотна, не касаясь его. Анализировать эти образцы я не смогу и должен буду доставить их в Тонкие Божественные Слои. Уж там и будут произведены все исследования… Ласочка, ты как-то странно на меня смотришь… Как-то удивленно… Как говорят в Одессе: «Не надо на меня так молчать»…

— Ты правильно истолковал мой взгляд. Я немного удивлена. В дайджесте, который ты дал мне прочитать, одни западно-европейские художники. Там же, в западных музеях находится и большинство их работ. Почему это поручено нам, здесь?

— Вопрос справедливый. Отвечаю. Это задание поставлено не только перед нами, но и перед всеми нашими работниками, находящимися «на холоде» в европейских странах и северной Америке. Конечно, основной массив работы падает на них. Но и в России, и прежде всего, в Эрмитаже, есть немалое количество работ, и, в частности, прекрасно представлен Рембрандт. Кроме того, как я понял наше руководство, все это лишь первая часть нашего задания… Но это потом… А сейчас я хочу коротко представить тебе наш план действий на ближайшие два дня.

— Завтра, в состоянии, как говорил Брюньон «Тело исчезло, осталась одна душа», я хочу слетать в Санкт-Петербург. Главная цель — Эрмитаж. Что мне было приказано просмотреть? А России всего два полотна Леонардо Да Винчи, и оба они в Эрмитаже. Это «Мадонна Бенуа» и «Мадонна Литта (е)». Затем, я должен осмотреть «Зал Рембрандта». В этом зале размещена уникальная коллекция полотен Рембрандта Харменса ван Рейна, включающая 23 работы. Это, как ранние, так и поздние произведения мастера. Среди них — «Флора», «Снятие с креста», «Жертвоприношение Авраама», «Даная», «Прощание Давида с Ионафаном», «Святое Семейство», «Возвращение блудного сына». И, что особенно важно, в коллекции представлены, если я не ошибаюсь, 15 портретов. И, в частности, «Портрет ученого», «Портрет старушки», «Портрет старика-еврея», «Портрет старика в красном». Ведь эти полотна принципиально требовали натурщика… А это означает, что в них могут содержаться фрагменты душ портретируемого…

Далее, в Эрмитаже есть три работы Диего Веласкеса; «Завтрак», «Мужская голова» и «Портрет графа-герцога Оливареса». Три полотна Тициана: «Кающаяся Мария Магдалина» «Портрет молодой женщины в шляпе с пером» и « Несение креста». И, наконец, единственная в России картина Гойи «Портрет актрисы Антонии Сарате». Это, так называемая, обязательная программа. Ну и я хочу похулиганить, и взглянуть Анри Матисса («Танец» и «Музыка») в зале № 440 Главного Штаба.

С утра завтра я и отправлюсь в Питер. Пробуду там день, пролечу по Эрмитажу и Главному Штабу, благо, места-то знакомые, как пишут в словарях «стремительным аллюром, во весь мах, как угорелый, во всю прыть, во весь дух», чертом, бесом эдаким, и сразу же после этого, с отобранными пробами — в Высшие Божественные Слои. В лучшем случае, к утру буду дома. Но, вполне возможно, и задержусь — это зависит не от меня. А сейчас уже полночь, пора и спать.

— Знаешь Кола, Я подумала сейчас не в первый раз, насколько рутинная, будничная форма речи выглядит убого в сравнении с поэтической. Послушай, как сказал о том же самом Дербенев:

Спать пора,
И не вздумай со мною ты спорить,
И не вздумай глаза открывать до утра.
Всем живущим в долинах, в горах,
Под землею и в море
Спать пора, спать пора…
……
Почему ты не спишь? Спи, тебе говорят!
……
Спать пора,
Утро ранее ночи мудрее,
Спать пора,
Землю ночь подметет под метелку,
Всем на свете желая удач и добра
Нам с утра непростая с тобой
Предстоит работенка.
Спать пора, спать пора…

Будильник не ставили, но из-за напряжения перед серьёзным делом, проснулись рано, ни свет, ни заря, как говаривали раньше, «до петухов». Быстро позавтракали и заняли исходные позиции в спальне: он, в пижаме и теплых носках, горизонтально расположился на своей половине кровати, она — в глубоком кресле рядом с ним… Поцеловались, и он полусерьёзно промолвил: — Родная моя, береги мой земной скафандр, батискаф мой… Сколько их у меня было… Но всегда привязывался и любил, и берег их… Еще через минуту, она почувствовала, что Он исчез… Вернулся Он точно через двое суток. Она еще спала. Он лизнул ей ухо:

— Родная моя, просыпайся — «У меня аппетит воскресшего. Вот уж Лазарь, должно быть, сладко ел!..». И как только она приоткрыла глаза, он продолжил «in petto <Про себя (итал.)>»: «Я переполнен новостями «Я — как губка, сосущая Океан. Или, скорее, я пузатая гроздь, спелая, полная до отказу чудесным соком земли. Какое вино получится, если её выжать!» Еще полчаса спустя, утолив голод и жажду, Кола с улыбкой откинулся на спинку стула:

— Надеюсь, Родина моя любимая, Тонкие Божественные Слои, не обидятся на меня. Но я хочу добавить одно слово к чудесной фразе Брюньона и согласиться с ней: «Господи боже, до чего жизнь ЗЕМНАЯ хороша. Как бы я не объедался, я вечно голоден, меня мутит; я должно быть болен; у меня так и текут слюнки, чуть я увижу накрытый стол земли и солнца…».

— Начнешь трапезу вторым заходом, обжора?

— Рад бы, но алчность моих глаз заметно больше моего желудка…

— Ладно, «губка, сосущая Океан», тогда рассказывай и все по порядку.

— Лады. До Питера и Эрмитажа я добрался быстро — за десяток минут. Как ты понимаешь, билетов мне покупать не пришлось. Прежде всего, я спокойно облетел все интересующие меня залы Эрмитажа. Несмотря на скопление людей мне, не пришлось следовать практике Брюньона: «Я съёжился и, крадучись сквозь гущу бедер, вышел вон». Я сразу же почувствовал то, что что обычный земной человеку ощутить не может. Я определенно ощутил некую эманацию, исходящую от картин великих мастеров. Они давали мне знать о себе, я — слышал их. Мой первый «облет» происходил в заполненных посетителями залах, то есть при определенном звуковом и прочем фоне. И я решил задержаться и повторил свой разведывательный полет вечером, когда залы опустели и Эрмитаж был закрыт. Это было удивительное чувство — в пустых залах я был не один. Картины были неподвижными, но живыми существами. Я был окружен ими, я слышал их на очень высоких частотах в диапазонах дальнего ультразвука, а может и гиперзвука, а вполне возможно и на коротких волнах совершенно иной природы. Моя духовная сущность была близка им, и они тянулись ко мне, хотели общаться со мною. Но мне их сигналы были мало понятны, хотя я и ощущал их, и что важно, совершенно не боялся их, и моё сознание говорило мне, что мы безусловно близки. Кроме того, меня сдерживало и то, что моё задание не включало прямой контакт такого рода. Образно говоря, я деликатно улыбался им и вежливо уклонялся от прямого общения. Одним словом, расшаркиваясь, я пролетел вблизи каждой из картин, галантно, мягко, почтительно и тактично снимая пробы звездного вещества вблизи их поверхности и улыбался, улыбался, улыбался… Я боялся, я смертельно боялся их обидеть… И тут, я хочу признаться тебе, что все время моего пребывания в Эрмитаже меня, в некотором смысле этого слова, сопровождал Жванецкий. — меня не покидала мудрая из мудрых мыслей Михаила Михайловича: «У обычного художника вы смотрите на красавицу. У великого художника — она смотрит на вас.»! Все это время я определенно чувствовал, что картины внимательно следят за мною! Притом, некоторые картины меня притягивают, а иные — отталкивают. Им свойственны силы гравитации — вначале подумал я. Но сразу понял, что дело совсем не в том. Ведь вес моей души ничтожен, да и вес самих полотен тоже не велик. Нет-нет — дело в том, что, если моя догадка верна, души картин и моя душа взаимно тяготели или отталкивались друг от друга. Совсем, как в Тонких Божественных Мирах!

И последнее, что я сделал, я пролетел по залу № 440 Главного Штаба. Там висели чудесные «Танец» и «Музыка» Анри Матисса. Ничего подобного тому, что я испытал вблизи Леонардо Да Винчи, Рембрандта, Диего Веласкеса и Гойи я не почувствовал. Ровным счетом ничего! Ни при заполненном посетителями зале, ни в пустом я не чувствовал ничего! Никаких душ в этих картинах не было! Просто великолепные произведения искусства. Определенно неодушевленные. Итак, Матисс создавал свои шедевры без ампутации и переброски в них частей своей души и душ натурщиков!

— Кола, ты помнишь, один единственный раз я не согласилась с Брюньоном. Это касалось его оценки значимости художников. Сейчас я подумала, что нашла еще одно место в тексте великой книги, с которым я могла бы поспорить. Кола Брюньон был великим жизнелюбом и жизневедом. Был он и великим знатоком дерева и мастером по его преобразованию: «Как хорошо стоять с инструментом в руках у верстака, пилить, строгать, сверлить, тесать, колоть, долбить, скоблить, дробить, крошить чудесное и крепкое вещество, которое противится и уступает, мягкий и жирный орешник, который трепещет под рукой, словно хребет русалки, розовые и белые тела, смуглые и золотистые тела наших дубравных нимф, лишенные своих покровов, срубленные топором! Радость верной руки, понятливых пальцев, толстых пальцев, из которых выходит хрупкое создание искусства! Радость разума, который повелевает силами земли, который запечатлевает в дереве, в железе и в камне стройную прихоть своей благородной фантазии! Я чувствую себя монархом химерического царства… Мои руки — послушные работники, управляемые моим старшим помощником, моим старым мозгом, который будучи сам мне подчинен, налаживает игру, угодную моим мечтам. Ну чем я не царек?.. Благословен день, когда я явился на свет!». Так вот интересно, нигде в этих строчках ничего не сказано о том, что он, Брюньон, берет какую-то часть своей души и передает её этим «хрупким созданиям искусства»! Нигде! Я уж было решила, что Ромен Роллан создал своего Брюньона рядовым художником и скульптором, не относящимся к Великим Созидателям, раз в его произведениях искусства нет Души. Но я жестоко ошибалась… Он все понимал… Все… И глядя на своего ученика, мальчугана Робине, спасшего из его сгоревшего дома единственную статуэтку Магдалины, да и то с обгорелыми ножками, он признается нам:

«- И я заплакал… Вот лучшая из моих работ: души, изваянные мною. Их у меня не отнимут. Сожгите все дотла! Душа цела!»

— Ласочка, я не досказал тебе самого главного. Через сутки после начала моего вояжа в Санкт-Петербург, я уже был в нашем Научно-Техническом Департаменте и сдал коллектор с пробами, отобранными в Эрмитаже. Это удивительно, но ровно через час анализы были готовы. Теперь, успокойся и приготовься выслушать результаты анализов…… Так вот, во всех работах Леонардо Да Винчи, Рембрандта Харменса ван Рейна, Диего Веласкеса, Тициана и Гойи обнаружены фрагменты звездного вещества, из которого построены человеческие Души! Более того, на каждом портрете присутствуют фрагменты двух душ. Это, в обязательном порядке, элементы душ художника и портретируемого! А на главном лице «Данаи» — даже фрагменты трех человеческих душ!

Разгадать эту загадку помог рентген, который сотрудники Эрмитажа сделали в 60-х годах 20 века. Благодаря ему выяснилось, что в 1634 году Рембрандт действительно изобразил Саскию. Её черты явственно проступали. А также рентген показал, что на прежней Данае было жемчужное ожерелье, которое Саския так любила. А еще она была прикрыта простыней. Однако Саския умерла в 1642 году. Утешила художника Гертье Диркс. Она была няней его сына. И в 1648 году Рембрандт переписал картину. Возможно, даже по просьбе Гертье. Вот так в Данае художник соединил черты двух женщин. Правда, со второй из них он расстался плохо. Гертье Диркс требовала, чтобы художник женился на ней. Но Рембрандт отказался и женился на Хендрике Стоффельд. Тогда Гертье подала на него в суд, который обязал его выплачивать ей ежегодное содержание. Она до конца жизни преследовала Рембрандта, как его кредитор. Так как художник обанкротился, ему нечем было выплачивать ей содержание. https://arts-dnevnik.ru/rembrandt-danaya/

Вот почему в лице Данаи были обнаружены частицы души самого Рембрандта, Саскии и Гертье!

Сотрудники научно-технического департамента познакомили меня с материалами, которые привезли им наши агенты, находящиеся «на холоде» в странах Европы и Америки. Ситуация везде была одинаковой. Картины, созданные Великими живописцами, практически все, содержат элементы душ и художников, и моделей. Поэтому, картины эти должны быть признаны живыми существами и заслуживают соответствующего отношения. Разница между художником и великим художником заключается в том, что первый создает предмет интерьера, второй — живую душу, личность.

Об основных чертах и темпераменте этой вновь рожденной личности судить не просто, поскольку это не Души, созданные в Тонких Божеских Мирах по единому Божескому Замыслу, а результат насильственной хирургической операции по отсечению фрагментов душ от самого художника и от его натурщиков и имплантации их в материал картины. Смешение различных душ, а стало быть, и различных характеров, приводит к образованию личности, нрав и темперамент которой непредсказуем. Если добавить сюда то, что в «измененном состоянии сознания» (ИСС) художник обладает огромной энергией и передает её создаваемому полотну, непредвидимый, внезапный, нежданный, стохастический, нрав картины, в сочетании с большой энергией, способен привести к многовариантному воздействию на зрителя и на обстановку в сфере досягаемости эмоционального и силового поля полотна. Вот откуда ужас, страх и обмороки у зрителей полотен некоторых великих мастеров.

— Кола, тогда возникает и еще один не малозначимый вопрос: Измененное состояние сознания не может не сказаться и на характере великих художников. Ведь энергия ИСС намного превышает собственную биологическую энергию человека. И, если судить о той безжалостности, которую проявляет художник, находящийся в ИСС, ампутируя части души и у себя самого, и у натурщика, вектор измененного состояния сознания направлен в сторону жестокости, безжалостности, над- и бесчеловечности.

— Я думаю, ты права. Вопрос в том, присутствует ИСС в жизни мастера постоянно или только лишь в процессе творчества.

— Тогда, пожалуй, в жизни Пикассо измененное состояние сознания было с ним всегда. И в периоды творчества и в будничной жизни. Только этим можно объяснить его человеческие качества:

»…делил всех представительниц прекрасного пола на «богинь» и «половые коврики». Ему доставляло особую радость превращать первых — во вторых, вытирая о них ноги»

«Каждый раз, когда я меняю женщину, — говорил Пикассо, — я должен сжечь ту, что была последней»

«В нем был исключительно сильно развит инстинкт разрушения»

«И вся его жизнь прошла под знаком борьбы инстинктов созидания и разрушения». «…в отношениях с женщинами часто брало верх именно деструктивное начало»

«В отношениях с родственниками и близкими мэтр, по словам внучки, неукоснительно придерживался принципа «Я — все, ты — ничто!».

«Складывается впечатление, что трагические судьбы жен, любовниц, внука, да и сына великого художника связаны, в первую очередь с характером Пабло Пикассо и обстановкой в его семьях».

— Дорогая Ласочка, мы пришли с тобой к довольно грустным заключениям, относящимся к творчеству Великих западноевропейских художников. Но, к сожалению, почти все сказанное относится и к Великим русским мастерам живописи. В научно-техническом департаменте Высших Миров была подготовлена соответствующая справка по этому поводу. Пожалуйста, познакомься с ней.

Факты

Российские художники [1 — 22]

1.Мария Лопухина, происходящая из графского рода Толстых, сразу же после собственной свадьбы (ей было 18 лет) позировала Владимиру Боровиковскому. Портрет был заказан ее супругом. На момент его написания Мария выглядела просто великолепно. Изумительно красивая девушка была здоровой и полной сил. Но Мария умерла от чахотки, спустя 5 лет, когда ей было всего 23 года. По Москве пошли разговоры о том, что виноват в смерти Марии Лопухиной именно злосчастный портрет. От этой картины стали шарахаться, словно от призрака. Родилась городская легенда, что на портрет нельзя долго смотреть — постигнет печальная участь «натурщицы». В частности, полагали, что если на нее посмотрит юная особа, то она вскоре умрет. По некоторым сведениям, загадочный портрет погубил около десяти девушек на выданье. Говорили, что отец Марии, известный мистик, после того как умерла его дочь, заключил ее дух в это полотно. Однако, спустя почти сотню лет, Павел Третьяков не побоялся и приобрел это полотно для собственной галереи. После этого картина «присмирела».

2. Российские ученые, пришли к выводу, что мощной отрицательной аурой обладают также «Девятый Вал» Айвазовского и ряд его других знаменитых полотен.

3. А при изучении энергетики «Черного квадрата» Казимира Малевича один из ученых… потерял сознание. «Это один большой сгусток темной силы и энергии. Будто в преисподней картину рисовали», — признался ученый, когда его с трудом привели в чувство. О картине Малевича «Черный квадрат» говорили раньше и говорят сегодня. До сих пор никто не знает, что означает этот квадрат, и что хотел им выразить Малевич. Одно можно сказать — художником при написании картины руководил отнюдь не Бог. «Черный квадрат» — это «черная дыра» в живописи, всасывающая положительную, а выбрасывающая отрицательную энергетику, которая не только поражает психику зрителя, но иногда и убивает. Художник Жилинский так отзывался о картине Малевича: «С точки зрения профессионального понимания, работы с цветом „Черный квадрат“ — картина. Ее историческая ценность в том, что художник показал, как бы, первооснову языка искусства, чистую древнюю форму. Это тупиковое открытие. Дальше которого хода нет. Все, что создается после Малевича в этом направлении, теряет значение новаторства, уже не имеет смысла. Тот же пример с Гагариным. Он — первый. Этим все сказано». Сам Малевич называл — «Черный квадрат» — последней картиной в мире. Умер Малевич в 1935 году от рака. Урну с прахом установили в чистом поле около дачи в Немчиновке. На могиле — поставили куб с черным квадратом. «Я прорвал синий абажур цветных ограничений, вышел в белое: за мной, товарищи авиаторы, плывите в бездну…». На самом деле «Черный квадрат» вовсе не черный и совсем не квадратный: ни одна из сторон четырехугольника не параллельна ни одной другой его стороне, и ни одной из сторон квадратной рамки, которой обрамлена картина. А темный цвет — это результат смешения различных красок, среди которых не было черной. Считается, что это была не небрежность автора, а принципиальная позиция, стремление создать динамическую, подвижную форму.

Специалисты Третьяковской галереи обнаружили авторскую надпись на известной картине Малевича. Надпись гласит: «Битва негров в темной пещере». Эта фраза отсылает к названию шутливой картине французского журналиста, писателя и художника Альфонса Алле «Битва негров в темной пещере глубокой ночью», представлявшей собой абсолютно черный прямоугольник.

4. «Незнакомка» («Неизвестная») (1883) Ивана Крамского — один из загадочных шедевров русской живописи. Полотно, в котором, на первый взгляд, нет ничего мистического: красавица едет по Невскому проспекту в открытой коляске. Тем не менее, Павел Третьяков наотрез отказался приобретать картину для своей коллекции. Так, «Незнакомка» начала своё путешествие по частным собраниям. Вскоре начали происходить странности: первого ее владельца бросила жена, у второго сгорел дом, третий обанкротился. Все несчастья приписывали роковой картине. Не избежал беды и сам художник, вскоре после написания картины скончались два сына Крамского. Картин продали за рубеж, где она продолжила приносить владельцам одни несчастья, пока в 1925 году полотно не вернулось в Россию. И, все же, заняла свое место в Третьяковской галерее. С тех пор никаких эксцессов и несчастий больше не происходило.

5. 5. Перов долго не мог найти натурщика для центрального мальчика, пока не познакомился с одной женщиной, которая ехала через Москву на богомолье со своим 12-летним сыном Васей. Его мать не разрешала позировать художнику, боясь, что он умрет. Художнику удалось уговорить женщину дать Василию попозировать для картины. Спустя несколько лет Перов снова встретился с этой женщиной. Оказалось, что спустя год после написание картины Васенька умер, и его мать специально приехала к художнику, чтобы на последние деньги выкупить картину. Но полотно уже было приобретено и экспонировалось в Третьяковской галерее. Когда женщина увидела «Тройку», она упала на колени и стала молиться. Растроганный, художник написал для женщины портрет ее сына.

6. Врубель написал портрет своего маленького сына, родившегося с заячьей губой (от последней жены — известной певицы Забелы-Врубель), причем живописец изобразил своего отпрыска, даже не пытаясь скрыть врожденное уродство. Сын Врубеля, Савва, скоропостижно скончался вскоре после того, как художник закончил портрет мальчика. Смерть сына стала ударом для Врубеля, поэтому он сконцентрировался на своей последней картине «Демон поверженный». Желание закончить полотно переросло в одержимость. Врубель продолжал дописывать картину даже когда ее отправили на выставку. Не обращая внимания на посетителей, художник приходил в галерею, доставал кисти и продолжал работать. Обеспокоенные близкие связались с врачом, но было уже поздно — сухотка спинного мозга свела Врубеля в могилу, несмотря на лечение.

7. Многие натурщицы Серова умирали вскоре после сеансов позирования. Наиболее загадочной была смерть модели, изображенной на известном полотне «Девушка, освещенная солнцем» (в народе ее называют «Девушка с персиками»).

8. Буквально за месяц сгорела от внезапно начавшейся чахотки единственная любовь Константина Сомова, позировавшая ему.

9. Илья Глазунов — первый художник России последних десятилетий. Очень любил рисовать жену Нину. Нина Виноградова-Бенуа, красавица, любящая жена и самый верный друг художника Ильи Глазунова… выбросилась из окна.

10. Александр Шилов. Тысячи людей любуются его прекрасными портретами, но чаще всего особое внимание вызывает портрет дочери художника Маши. Но не все знают о трагедии великого мастера кисти. Маша умерла от неизлечимой болезни в 16 лет! Одна старушка сказала по этому поводу: «Отмаялась, сердешная, от того, что отец ее много рисовал!».

11. Илья Ефимович Репин — один из величайших русских живописцев. Тем не менее, существует целая шеренга, на первых взгляд странных, определений: «Илья Репин — гроза натурщиков», »Большой мастер по умерщвлению своих героев», «Кладбище запорожцев», «В его портретах таится зловещая сила». Дело в том, что существует одно странное и трагическое обстоятельство: Кого бы ни написал Репин — смерть не заставляла себя долго ждать — многие, кому выпала честь быть его натурщиками, вскоре умирали. Среди них: композитор Мусоргский, хирург Пирогов, писатель и драматург Писемский, политик Столыпин, писатель Всеволод Гаршин, итальянская пианистка Мерси д’Аржанто. Во всех случаях для смерти имелись объективные причины, — но вот совпадения… Говорят, даже здоровенные мужики, позировавшие Репину для полотна «Бурлаки на Волге», преждевременно отдали Богу душу. Рассказывают, что почти все друзья, которых он запечатлел на другом знаменитом полотне «Запорожцы пишут письмо турецкому султану», по разным причинам умерли сразу после того, как работа была впервые выставлена. Испугавшись, художник закрасил на ней изображение собственного сына. Именно поэтому с каждым гениальным портретом желающих позировать Репину становилось все меньше и меньше. В обществе циркулировала, осторожная фраза: «Кто знает — может, не будь Илья Репин так талантлив, трагедий могло и не случиться». — Такова широко распространенная информация, принадлежащая многим авторам.

Жуткая история приключилась с картиной «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года», которая в наше время больше известна под названием «Иван Грозный убивает своего сына». Выставленное в Третьяковской галерее полотно производило странное впечатление на посетителей. Одни перед картиной рыдали, другие впадали в ступор, с третьими приключались истерические припадки. Даже самым уравновешенным людям при взгляде на полотно становилось не по себе: слишком реалистично написана сцена убийства, слишком много на холсте крови, которая кажется настоящей.

Злесь следует объяснить читателю, что написание картины про Ивана Грозного стало идефиксом для Репина, он стал одержим. Ходил по городским улицам, делал различные наброски и этюды. Долго у художника не получалось изобразить «живую» кровь на картине, сочащуюся сквозь пальцы отца-убийцы, чтобы она выглядела как настоящая, а не как мазок краски. При этом он не особо заморачивался, когда видел возможность запечатлеть кровь, бегущую из раны. У дочки Веры долго не останавливали кровь из носа после падения с высоты, чтобы её папа мог поподробнее изучить как струится кровь. Когда на улице Репин увидел смерть женщины, попавшей под пролётку, он не замедлил побыстрее добраться до своей мастерской и запечатлеть увиденную «живую» кровь. Русский писатель Даниил Леонидович Андреев в своем мистическом сочинении «Роза Мира» писал: «Когда кровь людей и животных вытекает из организма, то в первые минуты этого процесса она выделяет жгучее излучение особой силы.» Не зря в человеческой истории сохранилось так много упоминаний о кровавых жертвоприношениях богам и силам природы. …. Интересно, что в своё время владелец галереи Павел Михайлович Третьяков велел швейцарам не пускать Репина, если у него в руках будет мольберт и кисти по одной простой причине: Репин любил подправлять свои картины, даже после того, как они были у него куплены и выставлены. (Репин. Реальность, парадоксы и мистика. Виктор Васильев-Седой https://www.proza.ru/2016/03/28/386).

Сначала картина Репина, законченная в 1885 году, была показана в мастерской друзьям художника: Крамскому, Шишкину, Брюллову. Полотно произвело на них ошеломляющее и гнетущее впечатление. Затем «Иван Грозный» был представлен на официальной выставке в Петербурге, и реакция широкой публики мало отличалась от реакции друзей художника. Реализм, граничащий с натурализмом, испугал многих зрителей. Президент Академии художеств, Великий князь Владимир Александрович, сказал жене перед посещением выставки: «Не пугайтесь, подготовьтесь, сейчас вы увидите эту страшную картину». В Москве демонстрация полотна поначалу была запрещена императором Александром III. И лишь через некоторое время запрет был снят с оговорками о нежелательности показа картины женщинам и детям. Произошло это 11 июля 1885 года. Новый показ картины в Третьяковской галерее произвёл фурор, люди шли в галерею только для того, чтобы взглянуть на бывшую запретную картину. Для пущего эффекта в помещении, где размещалась картина, был постелен кроваво-красный ковёр, усиливающий эффект от увиденного. Некоторые из посетителей после просмотра картины приходили в неистовство, а некоторые теряли сознание. (https://www.proza.ru/2016/03/28/386).

Серьезное исследование (Репин. Реальность, парадоксы и мистика. Виктор Васильев-Седой https://www.proza.ru/2016/03/28/386) объясняет, что и почему произошло в общественном мнении с работами Репина. Всё началось с того, что Корней Чуковский в начале прошлого века бросил шутливый упрёк Илье Репину, что мол после изображения человека на картине Репина тот сразу умирает. Присутствующие при этом мило поулыбались, но каждый начал судорожно подсчитывать подобные случаи. И оказалось, что «проклятых» картин, после написания которых натурщики умирали или их постигали различные несчастья, у Репина неожиданно много, гораздо более, чем у других. Так с лёгкой руки писателя, склонного к мистике, создалась легенда о проклятости картин Репина.

В скорбный список попала и картина «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года», хотя череда «странных» смертей началась по мнению современников после картины «Бурлаки на Волге», написанной в 1873 году. Якобы многие из изображенных на картине мужиков скоропостижно поумирали. Но почему-то не называлось ни одно имя, а ведь бурлаков только на картине 11 и этюдов за три года написания картины было сделано множество, число натурщиков никто даже и не считал. Репин дважды выезжал на Волгу, чтобы изучить их образ жизни и заменяя один образ на другой, более выразительный (https://www.proza.ru/2016/03/28/386).

«Проклятый» портрет Писемского был написан в 1880 году, а в 1881 году писатель умер. Неспроста говорили люди — ведь Репин его портрет нарисовал. При этом люди как-то забывали о пристрастии Писемского к алкоголю и о том, что после самоубийства одного сына в начале семидесятых годов позапрошлого века тоскливое настроение владело Писемским. Летом 1880 года сошел с ума второй сын, через несколько месяцев резко ухудшилось здоровье писателя. (https://www.proza.ru/2016/03/28/386).

Портрет Мусоргского был написан Репиным в течение 4 дней, со 2 по 4 марта 1881 года, а умер композитор 16 марта 1881 года через несколько дней после написания «проклятой» картины. Снова Репин виноват… Вот только художник приехал в Николаевский военный госпиталь после того, как узнал в феврале 1881 года о смертельной болезни друга и успел написать портрет до его смерти. Следствие здесь явно спутано с причиной (https://www.proza.ru/2016/03/28/386).

Портрет Н. И. Пирогова был написан в мае 1881 года в гостинице «Дрезден» в Москве за полгода до смерти знаменитого хирурга. (https://www.proza.ru/2016/03/28/386).

Известно, что Репин долго раздумывал, прежде чем браться за картину об Иване Грозном. И не зря. Художник Мясоедов, с которого был написан образ царя, вскоре в гневе чуть не прикончил своего малолетнего сына, которого тоже звали Иваном, как и убиенного царевича. Образ же последнего писался с литератора Всеволода Гаршина, который впоследствии сошел с ума и покончил с собой, бросившись в лестничный пролет…

Некоторые утверждают, что «жертвой» художника стал поэт Федор Иванович Тютчев, который скончался, как только Репин якобы начал писать его портрет. Только вот портрета Тютчева кисти Репина не существует. В начале декабря 1872 года Тютчев серьёзно заболел, 1 января 1873 года случился удар и у поэта была парализована левая часть тела. 15 июля 1873 года он скончался. С Репиным в это время он не виделся. …. встречи двух великих людей не состоялось…. (https://www.proza.ru/2016/03/28/386).

О «проклятой» картине «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года» в (Репин. Реальность, парадоксы и мистика. Виктор Васильев-Седой https://www.proza.ru/2016/03/28/386) рассказывается следующее:

«Образы царя и царевича были сформированы как наложение нескольких личностей. Сначала в качестве натуры для создания царя были использованы старик из Царского Села и чернорабочий с Лиговского рынка. А вот для головы царя позировали художник Григорий Григорьевич Мясоедов (1834 -1911) и композитор Павел Иванович Бларамберг (1841-1907).

Царевича Репин писал с художника Владимира Карловича Менка (1856—1920) и писателя Всеволода Михайловича Гаршина (1855 — 1888).

И если с Бларамбергом и Менком ничего не случилось, то в жизни Мясоедова и Гаршина произошли трагические события после того, как они выступили в качестве натурщиков для картины. Рассказывают уже более века, что после позирования Репину у Гаршина, бывшего душевнобольным, обострился приступ болезни и он сиганул в лестничный пролёт и разбился. Убедительный рассказ, если только не сравнить пару дат. Портрет Гаршина, ставший своеобразным эскизом для картины про Ивана Грозного, написан в 1884 году, сама картина завершена в 1885 году, а умер Гаршин в 1888 году. 4 этажа пролететь за 4 года — долгое падение…

Следующей «жертвой» Репина стала графиня Луиза Мерси д’Аржанто (1837—1890), чей портрет был написан в 1890 году. Этот портрет Репин написал, когда пианистка француженка, первая познакомившая заграничную публику с музыкой молодой русской школы, тяжело болела и даже не могла позировать сидя.

Пал жертвой Репина премьер-министр Пётр Аркадьевич Столыпин (1862- 1911). В 1910 году — портрет, а в 1911 году — смерть.

Якобы после написания портрета Репиным умерла вторая его жена Наталья Борисовна Нордман-Северова (1863 — 1914). Но существует несколько её портретов, написанных задолго до её смерти. Как, например, созданный в 1905 году.
Получается, что если внимательно разобраться в том, почему многие модели Репина умирали после создания их портретов, то нет никакой мистики. Любил художник писать картины больных и даже умирающих людей, а также на темы смерти. Помимо картин из этого материала можно припомнить: «Воскрешение дочери Иаира» (1871), «Историк Николай Иванович Костомаров в гробу» (1885), «Дуэль» (1896)», «Отказ от исповеди перед казнью» (1885)».

И завершается работа (https://www.proza.ru/2016/03/28/386) следующим показательным образом: «Когда Чуковский перебаламутил умы художников, то в их среде поползли мистические догадки: „Репин обладает необычайной способностью переплавлять в краски живую плоть и кровь. У него реализм становится жуткой реальностью“. Вот такие мистические истории связаны с Репиным и его картинами. Не зря поставили, выходит, ему памятник невдалеке от Третьяковки. Никто больше в обморок не падает при виде его картин».

— Так. Прочитала, и не могу сказать, что это подняло моё настроение. Мы с тобой любим искусство и обожаем художников. Мы даже почти согласны с Великим Брюньоном: «Мир — бесплодная равнина, где, местами колосятся нивы, засеянные нами, художниками». Но, как видишь, мир намного сложнее…

— Моя родная, тот же Брюньон сказал: «Всякому свое место под солнцем, всякому своя тень». Стало быть, есть тень и у великой живописи, и у великих художников. К счастью, эту тень видят, знают, а тем более понимают лишь единицы. Миллионы же счастливы наслаждаться чудесными творениями великих из великих гениев кисти. Но есть и меньшинство, на понимающее, вообще, ничего и довольствующихся одесским юмором «Если в Одессе на стене висит репродукция картины Айвазовского, то комната считается с видом на море», или фрагментами школьных сочинений: «Рембрандт стоял под дождём в семейных трусах и блаженно улыбался».

— Ты коснулся общей проблемы, о которой американский писатель немецкого происхождения Чарльз Буковски сказал так: «Проблема этого мира в том, что воспитанные люди полны сомнений, а идиоты полны уверенности».

— Пожалуй… Но мы-то с тобой люди дисциплинированные, и приказ для нас — это всё. А он гласит: мне нужно проверить, есть ли элементы душ художника и моделей в некоторых картинах великих русских мастеров. И с завтрашнего дня я приступаю к его исполнению. А метод мой тебе хорошо известен: «Тело исчезло, осталась одна душа». И должна она пропутешествовать по музеям трех городов и отобрать пробы душ, если они там есть, в некоторых выдающихся произведениях русских мастеров. В Москве это, прежде всего, Третьяковская галерея. Портрет М. И. Лопухиной Владимира Боровиковского, «Незнакомка» («Неизвестная») Ивана Крамскова, «Тройка» Василия Перова, «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года», «Портрет композитора М. П. Мусоргского», «Портрет писателя А. Ф. Писемского», «Портрет хирурга Н. И. Пирогова» Ильи Репина. Кроме того, загляну мельком и в галерею Ильи Глазунова. Там меня интересуют портреты его жены Нины. На следующий день слетаю в Санкт-Петербург в Русский музей, где находятся «Бурлаки на Волге» и «Торжественное заседание Государственного совета 7 мая 1901 года в день столетнего юбилея со дня его учреждения». А уж на третий день смотаюсь в Саратов в музей имени А. Н. Радищева. Именно там хранится «Портрет Петра Аркадьевича Столыпина».

На четвертые сутки поутру Кола вернулся и сейчас они сидели за завтраком, и он, не торопясь, скажем так, со вкусом, и ел, и отчитывался жене о сделанном. Если кто-то и наблюдал за этим завтраком — беседой, то слышать мог он только позвякивание стаканов и стук ножей, и вилок о тарелки. Беседа шла на непременном в подобных случаях «in petto <Про себя (итал.)>».

— Родная моя, не скрою, как всегда, я торопился к тебе, поэтому промчался по городам и весям, с быстротою молнии, как вихрь. Однако сказать, «одна нога здесь, а другая там», «только пятки засверкали», «не чуя ног», «со всех ног», «во все лопатки» «сломя голову» и «высунув язык» я не могу, по той простой причине, что части тела эти, как и само тело, почивали на нашей супружеской постели. Кстати, ты, конечно, помнишь, что смысл слова «веси» идет от санскритского «вис» — община, село, деревня, перешедшего в «Весь» — село или деревня на новгородском наречии. Кроме того, «Весь» — административная единица при сборе дани. Так вот дань с музеев я, конечно, собирал — мой датчик и инструменты для отбора проб проскользили вдоль поверхностей всех намеченных картин., а точнее, просканировали зоны всех картин с лицами. Посетив все три города, вместе с бесценной коллекцией проб я устремился в Высший Божественный Мир и в нашем родном Научно-Техническом Департаменте сдал коллектор с пробами.

За те несколько часов, что я ожидал анализов, я повстречался со множество наших друзей по службе и вспомнил мудрую мысль Михаила Жванецкого: «Много хороших людей на свете. Но на том свете их больше…». Я думаю, Михал Михалыч даже не подозревает, несколько он прав… Первые же результаты лабораторных исследований показали, что в каждой картине оказались присутствующими следы не менее двух видов человеческих душ. Естественно, заключить, что первая принадлежала самому художнику, а вторая — портретируемому или модели. Что касается «Бурлаки на Волге», то общее количество типов различных душ составило 10-12. В отношении «Торжественное заседание Государственного совета 7 мая 1901 года в день столетнего юбилея со дня его учреждения». Количество душ в этом гигантском полотне исчислялось десятками. Дело, однако, в том, что не все портреты были выполнены самим Репиным. У него были помощники, отнюдь не великие художники. Они были лищены ИСС (Измененного состояния сознания) и иссекать, и перебрасывать души портретируемых на полотно не умели. Поэтому общее количество элементов душ оказалось меньшим, чем общее число персонажей на этой картине. Но это — детали.

Главное же заключается в том, что наши исследования полотен Великих западноевропейских художников и великих художников России приводят к идентичным результатам. Общим знаменателем является заключение о том, что подлинно великие художники наделены Сверху Измененным Состоянием Сознания, позволяющим им вторгаться в человеческую Душу портретируемых, сознательно или подсознательно, ампутировать фрагменты их Душ, перебрасывать их на полотно картины и фиксировать их слоями краски. В итоге, картины эти перестают быть просто шедевром живописи, а становятся живыми существами, личностями. Обладая немалой энергией, которой их насыщает художник, наделенный ИСС, они способны неопределенным образом влиять на зрителей, как сообщая им положительные эмоции, так, порой, и ввергая их в состояние страха и ужаса, а иногда, и обморока.

Поскольку количество душ этой новоявленной личности не менее двух (художника и модели), а на ряде картин их число может определяться и многими персонажами, характер этой вновь рожденной личности — мирового шедевра живописи, — может оказаться крайне сложным, а возможно и негативным. Обладая немалой энергией, такая картина способна влиять и на состояние прилегающего пространства и его равновесие.

Ласочка мягко улыбнулась:

— Как всегда, человечество умно задним умом. Ведь Величайшая Книга писала об этом однозначно

«20.1. И говорил Бог все слова сии, сказав: 2. Я Господь Бог твой, который вывел тебя из земли Египетской., из дома рабства. 3. Да не будет у тебя богов других сверх Меня. 4. Не делай себе изваяния и никакого изображения того, что на небе вверху и что на земле внизу и что в воде под землею. 5. Не поклоняйся им и не подчиняйся им, ибо Я, Господь Бог твой, Бог ревнующий, карающий за вину отцов детей третьего и четвертого рода ненавидящих Меня.».[Исход. ХХ.]

Человечество довольствовалось простейшим истолкованием Четвертой заповеди, как продолжением третьей — не делай никаких изображений, дабы не преклоняться им: «Не поклоняйся им и не подчиняйся им, «. Однако, как мы видим теперь, Великая Тора имела в виду и, по меньшей мере, еще один смысл- предупреждение: «Художник, не повреди свою душу и не навреди душе позирующего!». Этот запрет евреи соблюдали многими столетиями. И, в частности, Исаак Левитан писал только пейзажи, а многочисленная родня Марка Шагала была против его занятий живописью. Дядя Израэль, завсегдатай синагоги, даже руку племяннику боялся подавать, а вдруг тот его нарисует?

ЛИТЕРАТУРА

Viktor Finkel. Registration Certificate. The Writers Guild of America, EAST Inc. 8/9/2018

[1]. https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9F%D0%BE%D1%80%D1%82%D1%80%D0%B5%D1%82

[2]. https://www.proza.ru/2015/09/14/408

[3]. https://www.proza.ru/2016/07/08/510

[4]. http://fishki.net/anti/77119-misticheskie-kartiny—16-foto.html © Fishki.net

[5]. https://www.kp.ru/daily/23695.5/52328

[6]. https://tipaeto.livejournal.com/106848.html или модели.

[7]. Viktor Finkel. Registration Certificate. The Writers Guild of America, EAST Inc. 8/9/2018

[8]. https://www.kramola.info/blogs/neobyknovennoe/chudotvornaya-i-smertelnaya-magiya-kartin

[9]. http://nearyou.ru/0other/u03pick.html

[10]. https://kulturologia.ru/blogs/290916/31565/

[11]. http://russian7.ru/post/samye-zagadochnye-kartiny-russkikh-khud/

[12]. https://4stor.ru/strashno-interesno/29096-mistika-fotografiy-i-kartin.html

[13]. https://4stor.ru/strashno-interesno/29096-mistika-fotografiy-i-kartin.html

[14]. https://www.proza.ru/2016/03/28/386

[15]. http://adonay-forum.com/po_sekretu_vsemu_svetu_sluhi_i_spletni_o_magah_i_maglah/misticheskie_taynyi_kartin_-_svyaz_cheloveka_i_ego_portreta/5/?wap2

[16]. https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9F%D0%BE%D1%80%D1%82%D1%80%D0%B5%D1%82

[17]. https://www.adme.ru/tvorchestvo-hudozhniki/5-kartin-kotorye-pogubili-svoih-naturschikov-1610465/

[18]. © pixabay.com © pixabay.com

[19]. http://paranormal-news.ru/news/chernaja_ehnergetika_kartin_ili_repina/2016-05-08-12183

[20]. http://prochtenie.ru/art/24093

[21]. Источник — женский онлайн журнал *LADY forever*: http://lady-forever.ru/publ/izvestnie_zhenshini_mira/venera_s_zerkalom_kartina_kotoraja_razorjaet/7-1-0-2122

[22]. https://gallerix.ru/tribune/xudozhniki-ubiycy/